«Oppenheimer» de Cristopher Nolan

por Ignacio Navarro

El nombre de Julius Robert Oppenheimer ha pasado a la historia por ser el responsable de la creación de la bomba atómica, desarrollada durante años y finalmente lanzada sobre Hiroshima y Nagasaki en agosto de 1945. El nombre de Lewis Lichtenstein Strauss, en cambio, es desconocido para el gran público, y solo lo recordarán hoy en día quienes estén familiarizados con el funcionamiento de la administración norteamericana en los años 40 y 50 del pasado siglo. Sin embargo, ambos hombres estuvieron más conectados de lo que parece, sobre todo cuando Strauss pasó a presidir la Comisión de Energía Atómica de Estados Unidos. Antes de cualquier vínculo profesional, ambos compartían religión, pues eran judíos de nacimiento, aunque no ideología, pues la de Oppenheimer era de afinidad comunista, mientras que Strauss se declaraba republicano. En esa época, pertenecer a uno u otro bando no solo condicionaba la trayectoria política, sino la personal y familiar, sobre todo una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial e iniciada la Guerra Fría, cuando la rivalidad de esta potencia con la soviética tuvo como triste repercusión interna la caza de brujas contra los presuntos comunistas, el llamado macartismo. Las audiencias a las que Oppenheimer fue sometido en 1954 para renovar su credencial de seguridad, otorgada por la mentada Comisión de Energía Atómica, eran un ejemplo de esta caza de brujas, pues la principal justificación para denegarle dicha autorización era la sospecha de que, incluso, fuera un espía de Moscú. Tales acusaciones eran absurdas para un hombre que, al margen de sus convicciones, se había limitado a formarse como físico cuántico, primero en Europa y luego en su país natal, al que demostró su mayor lealtad, precisamente, cuando pasó a liderar al equipo de científicos, en el llamado Proyecto Manhattan ubicado en el desierto de Nuevo México, que desembocó en el lanzamiento de la bomba atómica.

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«Silencio»: el grito imposible de Scorsese

por Horacio Ramírez

«Las bombas atómicas se tiraron lejos, en Japón, para que ningún americano pudiera oírlas».
Comentario periodístico estadounidense de 1945

Pese a su belleza audiovisual y a que es una de las mayores obras cinematográficas debidas al realizador estadounidense, este crédito —económicamente, por lo menos— fue un fracaso: no llegó a recaudar ni la mitad de los 50 millones de dólares que se invirtieron, y esto debido, principalmente, a que no eludió aspectos realistas del catolicismo de aquella época ni tampoco de la idiosincrasia japonesa de todos los tiempos.

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Sismografía de las palabras de «Drive my car», de Ryüsuke Hamaguchi

por Miguel Muñoz Garnica

Eres muy bueno interactuando con otros actores. Aprende a hacerlo con el texto. La indicación se la da Yusuke (Hidetoshi Nishijima), el protagonista, a uno de los actores de la adaptación de «Tío Vania» que dirige, pero conlleva una pregunta que, en buena medida, es la misma que impulsa el cine de Hamaguchi. ¿Se puede interactuar con un texto? Más aun, ¿podemos entablar una relación íntima, personal, con la mera semántica de unas palabras fijadas sobre el papel? En la elipsis que cierra la primera parte de Drive My Car, Hamaguchi enuncia una respuesta positiva. Yusuke, roto por la muerte reciente de una esposa a la que adoraba, interpreta a Vania en una función. Como si le costara articular cada palabra, pronuncia su frase: «Porque la fidelidad de esa mujer es falsa desde el principio hasta el fin». La línea debería continuar según el texto de Chejov —«Le sobra retórica y carece de lógica. Engañar a un viejo marido al que no se puede soportar es inmoral, mientras que el esforzarse en ahogar dentro de sí la pobre juventud y el sentimiento vivo, no lo es»—, pero Yusuke se interrumpe y abandona la escena antes de tiempo. Como si no pudiera quitarse del cuerpo las palabras, las dichas y las que debía decir, queda paralizado e incapaz de volver al escenario. Y así, en la penumbra de los bastidores y sumido en un gesto de desesperación, nos lo deja el fundido a negro que introduce un salto de dos años, la elipsis más vasta del metraje.

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El cine, entre la religión y el laicismo

por Pepe Gutiérrez-Álvarez

Si hay un lugar donde la guerra cultural entre la iglesia y el laicismo tuvo importancia desde el principio, fue el cine. La Iglesia era consciente de que los templos se vacían, que las salas de cine eran la competencia y, por lo tanto, hicieron todo lo posible por llevar los púlpitos a dichas salas, una conquista eclesial que todavía se impone como una tradición, sobre todo durante la Semana Santa.

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Las películas de madurez de Visconti

por Andrés De Francisco

En las cuatro grandes películas que exploro aquí, sus cuatro grandes películas de madurez [las de la trilogía alemana –La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) y Ludwig (1972)– y, por supuesto, la que para mí es la cumbre de su filmografía, El gatopardo(1963)], Visconti cierra un complejísimo universo en el que lo estético se entremezcla con lo político, en el que el mal y el bien conviven y hasta se entrelazan formando una unidad inseparable, donde la sofisticación no logra enterrar a lo grotesco, donde la muerte se convierte en anhelo y donde la risa puede cumplir funciones disolventes y casi revolucionarias.

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La industria cinematográfica se une a la campaña antirrusa: ¿A qué se están apuntando?

por David Walsh

Varios funcionarios de la industria cinematográfica mundial y de festivales de cine se han tropezado consigo mismos en los últimos días para unirse a la histeria antirrusa. Individuos y organizaciones que permanecieron en silencio mientras sociedades enteras eran dañadas o destruidas por las bombas, misiles y ataques con aviones no tripulados de EE. UU. y la OTAN han cobrado vida repentinamente y han descubierto una “agresión militar inaceptable”.

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Cine: «Sound of Metal», por el silencio a la luminosa quietud

por Jordi Mat Amorós

Hay películas que calan hondo y no se olvidan, este es el caso de Sound of Metal (2019) que nos sumerge en el proceso de transformación por el que pasa Ruben Stone un joven batería tras perder audición de forma repentina. Cine independiente estadounidense de gran calidad, una excelente ópera prima que fue aclamada por público y crítica logrando dos premios Óscar, los de mejor edición y mejor sonido.

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«Belfast», de Kenneth Branagh: el conflicto que no ocurrió

de Carlos Cruz Salido

«When it’s not always raining,
There’ll be days like this»,
Van Morrison

Belfast termina como empezó: con planos a color, primero aéreos y luego a ras de suelo, de la urbe epónima en la actualidad. Ahora epicentro revitalizado de Irlanda del Norte y otrora foco de conflictos, Belfast es una ciudad que ha resistido el envite de la historia y la violencia a lo largo del tiempo. Precisamente este año se cumple un centenario del estallido de la guerra civil irlandesa, sucedida apenas medio siglo después por los notorios Troubles. Nadie podría decirlo, sin embargo, a juzgar por la mirada que arroja Kenneth Branagh en su último esfuerzo directoral. Semejante despropósito podría condonarse si detrás de su fachada de inocencia garapiñada no se escondiera un ánimo digno de reprensión que nada tiene con su pretendido mensaje de concordia.

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La conferencia: una película inquietante y de actualidad inquietante sobre la «solución final a la cuestión judía» de los nazis

por Clara Weiss

Para conmemorar el 80 aniversario de la infame conferencia de Wannsee del 20 de enero de 1942, en la que destacados nazis y ministros planearon el exterminio de la población judía de Europa, La Conferencia se mostró en el canal de televisión alemán ZDF el 24 de enero. La película, dirigida por Matti Geschonneck, también se puede ver en alemán en línea.

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Crítica de «The Card Counter», de Paul Schrader: Dios habla bajito, el Diablo filma en ojo de pez

por Mariona Borrul

Como un gigantesco astro a punto de extinguirse, Paul Schrader se ha encomendado a su propia inmolación. Pareciera que su ritual de autodestrucción hubiera podido completarse allá en 2017, cuando arrojó a Ethan Hawke, literalmente flotando por entre la inmensidad del universo, en una de las secuencias más kitsch e insólitamente desoladoras de la historia del cine reciente. Schrader entonces dinamitaba su propio mecanismo dramático a base de un desasosiego sin filtros, que de tanto malestar devenía absurdo, exponiéndonos a un mundo sin salvación, por lo menos no más allá del suicidio colectivo. Al final, el bombazo resultaba mudo pero ensordecedor, tanto dentro como fuera de la pantalla. ¿Y luego qué? Después vendría, claro, más de lo mismo. Repite Schrader su trabajo infatigable sobre bases bressonianas, versiona una vez más el arquetipo que él mismo reconocía en El estilo trascendental del cine: aquel «hombre que se sienta a solas en una habitación», aquel tipo que lleva una máscara que no es más que su oficio. Hoy, el hombre tratará de sanar un presente mancillado por los escombros de otra gran explosión, desgranando con paciencia aquello que aún puede ser salvado de aquel que no. Tan simple y profundamente cerebral como un verso bíblico, su viaje de redención aún nos queda grande.

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Martin Scorsese: «Fellini es más grande que el cine»

La cámara se fija en la espalda de un joven que camina decidido hacia el oeste por una calle abarrotada de Greenwich Village. Bajo un brazo lleva libros. En la otra mano, un número del Village Voice. Camina deprisa, dejando atrás hombres vestidos con gabardina y sombrero, mujeres con pañuelos en la cabeza que empujan carritos de la compra plegables, parejas cogidas de la mano, y poetas y chulos y músicos y borrachines, frente a farmacias, licorerías, restaurantes y bloques de apartamentos. Pero el joven solo se fija en una cosa: la marquesina del Art Theatre, que exhibe Shadows, de John Cassavetes y Los primos, de Claude Chabrol.

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Robots asesinos y nuestro futuro: Chris Pratt, alienígenas y drones

por Matthew Hoh

Chris Pratt, famoso por la serie de televisión Parks and Recreation y las películas Guardianes de la galaxia, ha sacado una nueva película. En La guerra del mañana, Pratt viaja en el tiempo para salvar la Tierra frente a hordas de voraces alienígenas. En última instancia, la película es una alegoría del cambio climático, así que enhorabuena a Pratt y toda la gente de Hollywood por una película que demuestra que el cambio climático tendrá consecuencias inauditas e inevitablemente mortíferas para todo el mundo.

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Apple TV: «Quién le teme a Virginia Woolf», el amor como algo inhumano

por Juan García Brun

En marzo la plataforma Apple TV incorporó a su parrilla una de las grandes películas del canon clásico de los 60, «Quién le teme a Virginia Woolf», 1966, dirigida por Mike Nichols basada en la obra teatral homónima de Edward Albee. Una obra que ha ido creciendo con el paso del tiempo, diríase en la misma proporción que la memoria de Richard Burton (George) y Elizabeth Taylor (Martha) se desdibuja, dejando a los personajes, al guión, a la producción en su conjunto, navegar con autonomía. Filmada en un deliberado y necesario blanco y negro, la agobiante historia narrada en tiempo real, teatraliza —porque esta película es una obra de teatro llevada a la pantalla— el fin de una era, la tragedia y decadencia de la intelectualidad norteamericana y , por supuesto, el desamor.

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Luchino Visconti sigue vivo

por Pepe Gutiérrez-Álvarez

Luchino Visconti sigue vivo, como todos los grandes clásicos de la cultura en general y del cine en particular. Aparte de diversos ensayos sobre su vida y su obra[1] de todas las versiones editadas en DVD de sus películas, también se puede encontrar la parte más reconocida de su filmografía en la plataforma FILMIN, la más abierta al cine de autor, al gran cine clásico.

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Netflix: «La Librería», el coraje de una mujer sola frente al mundo

por Lara Madrid

Isabel Coixet adapta la novela homónima de Penélope Fitzgerald sobre una mujer que ama la lectura y trata de abrir la primera librería en un pueblo costero británico. Situada en la década de los cincuenta, en tiempos de la novela distópica Fahrenheit 451, de Ray Bradbury (1953), La librería presenta un microcosmos social, en el que la lectura, como cualquier otra afición puede suponer un refugio para el alma, donde la soledad no existe, un mundo interior que podemos denominar hogar. Una apología de la lectura sería una interpretación superficial de esta historia, ya que el eje central de la trama es la importancia de seguir los dictados del corazón, a pesar de que el mundo entero se ponga en tu contra.

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«De tal padre, tal hijo»: El verdadero «oro» está en el corazón

por Jordi Mat Amorós i Navarro

«Llevo tu corazón conmigo (lo llevo en mi corazón)
he aquí el más profundo secreto que nadie conoce
(he aquí la raíz y el brote del brote y el cielo del cielo
de un árbol llamado vida, que crece más alto de lo
que un alma puede esperar o una mente puede ocultar)».
E.E. Cummings

Esta premiada obra audiovisual es una joya que en su sencillez destila esencia oriental, especialmente por su ritmo reposado y sus pocos diálogos que convierten en protagonistas a los silencios y los gestos de sus personajes. Escrita y dirigida por Hirokazu Koreeda —uno de los mejores realizadores japoneses contemporáneos— cuenta con un excelente reparto del que destacan las interpretaciones del polifacético Masaharu Fukuyama como Ryota y el niño Keita Nomon, quien encarna brillantemente a su hijo del mismo nombre.

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El cine «quinqui», un retrato de la transición española

por Javier Cabrera

El cine “quinqui” fue un verdadero fenómeno de masas en los años 70 y 80. Varias de las películas de este subgénero se cuentan entre las más taquilleras de la historia del cine español [Artículo publicado originalmente en nuestra revista teórica Marxismo XXI].

Desde su ocaso a mediados de los 80, el cine “quinqui” ha sido despreciado por la crítica cinematográfica oficial como un tosco ejemplo de cine comercial y chapucero que se regodea en los atavismos españoles y convierte en héroes a los delincuentes. Pero desde principios de la pasada década, el cine “quinqui” ha sido redescubierto por una nueva generación de cinéfilos y de público joven, a los que estas historias contadas hace cuarenta años les hablan directamente.

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Netflix: «Mank» la obra maestra y revolucionaria de David Fincher

por Cristián Uribe

El filme del realizador estadounidense —un estreno de la plataforma de streaming— desmitifica a la figura de Orson Welles (el director de «Ciudadano Kane») y revaloriza a la persona del supuesto guionista de la famosa cinta, al olvidado escritor Herman J. Mankiewicz, en una puesta en escena de época casi perfecta (la década de 1940), y con un Gary Oldman fuera de serie.

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«Ciudadano Kane»: Un filme sobre «el poder» y la fuerza de la soledad

por Aníbal Ricci

Mientras la plataforma Netflix estrena por estos días «Mank», el último crédito del realizador estadounidense David Fincher, una obra audiovisual que recrea el tumultuoso desarrollo de la película de Orson Welles, en 1941, y los vínculos que este último tuvo con el guionista Herman J. Mankiewicz, ofrecemos una visión en torno a la paradigmática cinta considerada por algunos especialistas, como la más importante en la historia del cine durante el siglo XX.

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El cine y la inclusión: radiografía de una industria

por J. Casri

No podemos minusvalorar la capacidad de la industria audiovisual para modelar los marcos semánticos dentro de los cuales se desarrollan las pautas de comportamiento de la población. Por consiguiente, algunos países empiezan a regular la presencia de diversos colectivos en la producción e interpretación cinematográfica. ¿Cuál será el alcance de las nuevas medidas?

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‘The Truth’: Catherine Deneuve como una actriz con los pies en la tierra

por David Walsh

Escrita y dirigida por Hirokazu Kore-eda (nacido en 1962) es un conocido director de cine japonés. Ha hecho largometrajes desde mediados de los años noventa, como Maborosi, Distance, Nobody Knows, Hana, Still Walking (Aún Caminando), After the Storm (Después de la Tormenta), The Third Murder (El Tercer Asesinato) y Shoplifters (Ladrón de Tiendas).

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«Nos habíamos amado tanto»: La nostálgica mirada crítica de Ettore Scola

por Gabriel Anich Sfeir

Un automóvil destartalado se detiene a frente a una villa de un barrio acomodado a las afueras de Roma. La escena inicial de este filme se repite tres veces seguidas. Esto significa que la historia que veremos a continuación será contada a través de flashbacks desde tres puntos de vista distintos. Así comienza Nos habíamos amado tanto (C’eravamo tanto amati), película estrenada en diciembre de 1974 y considerada la obra maestra de su director, Ettore Scola (1931-2016).

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Alan Parker, aquel cine tan intenso

por Soledad Castro

Es hora de decirle adiós al cineasta británico responsable de títulos de los setenta y los ochenta tan clásicos como Expreso de medianochePink Floyd: The WallCorazón satánico y Fama. Su trabajo, a pesar de su carácter mainstream, se destaca por el retrato descarnado de las pasiones humanas y la construcción de un universo expresivo que, comparado con lo que hace Hollywood hoy en día, parece propio del más concienzudo cine de autor.

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«Sherlock Jr.»: Los sueños de detective de Buster Keaton

por Gabriel Anich

El cine mudo nos ofrece quizás la forma más universal de comunicación dentro del séptimo arte. A falta de palabras (y, por ende, de un idioma en específico), los movimientos del cuerpo humano transmiten ideas que pueden ser comprendidas en cualquier cultura, tiempo y lugar. El cine de comedia de las primeras décadas del siglo XX, antes de la creación del sonoro, se caracterizaba por una comedia física (slapstick) cuyos gags, consistentes en caídas y golpes caricaturescos, evocaban a las farsas renacentistas.

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Michael Moore: “El miedo alrededor de Joker es una distracción para no ver la verdadera violencia que nos está desgarrando”

La noche del miércoles fui al Festival de cine de Nueva York y fui testigo de una obra maestra cinemática, la película que el mes pasado ganó el gran premio a la mejor película del Festival internacional de Venecia. Se llama Joker, y todos los estadounidenses hemos oído hablar de esta película de la que debemos temer y mantenernos alejados. Nos han dicho que es violenta, enferma y moralmente corrupta, una incitación y celebración del asesinato. Nos han dicho que la policía estará afuera de cada función en caso de que haya «problemas». Nuestro país está en una situación de desesperanza, nuestra Constitución está hecha pedazos y un maníaco imprudente en Queens tiene acceso a códigos nucleares, pero por alguna razón, deberíamos estar asustados de esta película.

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Ken Loach: “Una economía de mercado no puede estar preparada para una crisis sanitaria”

Ricky, el protagonista de la última película de Ken Loach, Sorry We Missed You, es un repartidor con vehículo, mientras que su mujer, Abby, es trabajadora social. Cerca siempre de la clase trabajadora, de los desposeídos, de la gente común, Loach cuenta la historia de una familia que sobrevive apenas, pese a su trabajo incesante y agotador.

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Los Premios Oscar 2020: una demostración generalmente débil, sin nada sorprendente

por David Walsh 

Los nominados para los Premios de la Academia 2020 fueron anunciados el 13 de enero por la mañana en el Teatro David Geffen del Museo de la Academia de Cine de Los Ángeles por el actor y productor John Cho y la productora, actriz y escritora Issa Rae. La 92a ceremonia de entrega de premios se llevará a cabo el domingo 9 de febrero en el Dolby Theatre de Hollywood. El evento, que se transmitirá en ABC, se llevará a cabo una vez más, como en 2019, sin un anfitrión general.

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“Parásitos”, la belleza cinematográfica como diagnóstico de la barbarie capitalista y de los problemas actuales de la clase obrera

por Fernando Gustavo Armas

Según la crítica especializada, ‘Parásitos’ es la mejor película del director Bong Joon-ho, y eso significa mucho considerando que el coreano es autor de obras como ‘Memories of Murder‘ (2003), ‘The Host’ (2006) y ‘Rompenieves (Snowpiercer)‘ (2013). 

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J’accuse (Un Oficial y un Espía): La obra maestra de Polanski sobre el caso Dreyfus

por Alex Lantier

J’accuse (Yo Acuso, título en español: Un Oficial y un Espía) del director francés-polaco Roman Polanski, estrenada en los cines en Francia el 13 de noviembre, es una poderosa película que narra el asunto Drefyus, la histórica lucha de 12 años para absolver a un oficial judío, el capitán Alfred Dreyfus (1859-1935), injustamente condenado por espiar para Alemania en 1894. La exposición resultante del comportamiento criminal que implica prácticamente a todo el personal general francés, respaldado por la mayoría del establecimiento político, sacudió al estado francés a sus fundamentos.

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Woody Allen a Fernando Trueba: «Soy muy pesimista sobre el cariz de las cosas. Por ejemplo, el surgimiento de la extrema derecha»

La idea de que una película de Woody Allen fuera a quedarse en un cajón, de Amazon, y que los amantes de su cine nos quedásemos sin verla por miedo a las reacciones de las redes sociales, por un asunto del que ya fue absuelto en dos ocasiones por los tribunales, por la maldita corrección política o por lo que sea, me sublevaba. Así que cuando supe que Woody había recuperado su última película y los distribuidores españoles me propusieron un encuentro/charla/entrevista, no lo dudé. Sobre todo después de ver la película en un pase de prensa. Día de lluvia en Nueva York me pareció una delicia, una película llena de encanto, como una canción de Cole Porter, como un baile en el que la pareja no pusiera los pies en el suelo ni un segundo, como Fred Astaire y Ginger Rogers compartiendo (con nosotros) Isn’t This a Lovely Day? de Irving Berlin… Al salir de verla pensé que hacía mucho tiempo que una película no me trataba tan bien…

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40 años de ‘Apocalypse Now’: así fue el rodaje más salvaje de la historia

por Juan Sanguino

¿Cómo puede un rodaje planificado para 16 semanas acabar durando 15 meses? En el caso de Apocalypse Now la hazaña es que consiguiesen terminar (casi) todos vivos. Su director, Francis Ford Coppola, acabó acompañando a su protagonista, el capitán Willard, en su descenso a la locura: si la misión del soldado era cazar al coronel Kurtz, la de Coppola era terminar una película que había empezado a rodar sin guion y sin final. Él mismo reconocería haber contemplado el suicidio en tres ocasiones distintas a lo largo de los cuatro años de producción, en los que todo lo que podía salir mal salió mal. Y todo lo que nadie se había siquiera planteado que pudiera ocurrir salió aún peor.

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‘El fotógrafo de Mauthausen’: la documentación de crímenes nazis en un campo de concentración

por Benjamin Mateus 

Dirigida por Mar Targarona; escrita por Roger Danès y Alfred Pérez Fargas, El fotógrafo de Mauthausen, disponible en Netflix, es una película española de Mar Targarona, una actriz y productora convertida en directora. Está basada en la historia de Francesc Boix (interpretado por Mario Casas), un militante de izquierda catalán detenido en el infame campo de concentración de Mauthausen, en Austria. Mauthausen y sus subcampos fueron uno de los complejos de trabajo esclavo más grandes en la Europa controlada por los alemanes. Lugar para prisioneros políticos “incorregibles”, entre otros, cientos de miles murieron allí.

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Cine: «El Padrino II», la suma diabólica

por Horacio Ramírez

Alguien se acerca y le besa la mano al Don, al Cabeza, al Capo, al padrino o “padre por vía divina”, en su etimología en inglés: “godfather”. La inclinación y el beso señalan un pacto de fidelidad, firme como el acero y a la vez volátil como un copo de nieve frente a los ardores del deseo: con esa imagen comienza la segunda parte de la trilogía de El Padrino (The Godfather II -1974-) de Francis Ford Coppola, a inspiración de la novela de Mario Puzo. La excepción que confirma la regla, donde la segunda parte es mejor que la primera, llevándose el preciado Oscar a la mejor película de ese año.

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«Araña», de Andrés Wood: Los fantasmas errantes de Chile

por Cristián Garay

La ventura fílmica de Patria y Libertad no había sido realizada. Conocíamos algunas novelas y el solido estudio Patria y Libertad. El nacionalismo frente a la Unidad Popular de José Díaz Nieva (Centro de Estudios Bicentenario, Santiago, 2015) acompañada de su selección documental publicada en España. Y antes de eso algunas tesis de grado meritorias (pienso en Carla Prenafeta, La leyenda negra de una araña. Frente Nacionalista Patria y Libertad: enigmas y estigmas, 2005). Modestamente, quien firma estas líneas escribió con José Díaz Nieva en el dossier Amerique Latine. Memories et Histoire(2016) un artículo en castellano sobre este tema.

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¿Qué ocultan las sombras de «Julio comienza en Julio»?

por Juan García Brun

«Julio comienza en julio» es un filme chileno de 1976, dirigido por Silvio Caiozzi y escrito por Valentín Castillo.En 1979, al exhibirse, resulta Ganadora del premio Colón de Oro del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, posteriormenterecibió el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile.

Ya en democracia, en 1999, fue elegida la mejor película chilena del siglo mediante votación popular. 

Es considerada por muchos críticos como una de las mejores películas del cine chileno, junto con El Chacal de Nahueltoro de Miguel Littín, Tres tristes tigres de Raúl Ruiz, La batalla de Chile de Patricio Guzmán y Machuca de Andrés Wood.

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Cine: «La Favorita», el erotismo de las pasiones políticas

por Cristián Garay

Esta producción, tan suntuosa como su escenografía, nos muestra la corte de la Reina Anna (Olivia Colman) y su relación con dos mujeres, Sarah Jennings (Rachel Weisz), la mujer de Malborough y su prima lejana, Abigail Masham (Emma Stone). Sobre esta base, donde la segunda favorita desplaza a la primera, una insegura Reina Anna Estuardo (1665 – 1714) es manipulada por el genio de Sara, antigua dama de honor de María de Módena, a la que le consiguió de marido en 1678 nada menos que a su campeón militar, el famoso Duque de Malborough, John Churchill (1650-1722) nuestro conocido de la canción “Mambrú (versión castellana de su título) se fue a la guerra y nunca más volvió”. Y tiene relación con España precisamente porque sus grandes éxitos fueron en la Guerra de Sucesión española (1701 – 1714).

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Aquí toda la programación del X Festival Cine Otro de los Pueblos Indígenas en Valparaíso

El Festival Cine Otro de los Pueblos Indígenas se realizará desde el lunes 21 hasta el viernes 25 de enero en la Sala Rubén Darío y la Sala Vía Porteña.

Este lunes 21 de enero comienza el Festival Cine Otro de los Pueblos Indígenas organizado por el Colectivo Cine Fórum de Valparaíso. En su décima versión, el Festival destacará a la dirigente indígena de Argentina, Milagro Salas, del grupo social Tupac Amaru de Jujuy.

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Cine: “Roma” de Alfonso Cuarón es una obra que habla desde la fuerza de lo femenino

por Alejandra Coz Rosenfeld

Dirigida por Alfonso Cuarón, fue estrenada en octubre de este año: Roma es de una cámara excepcional, con una estética sutil, acompañada de silencios y sonidos que evidencian la belleza de los planos, la profundidad de sus significados que están plagados de simbolismos y la inspiradora sensibilidad del director, que con una coherencia impecable es capaz de transmitir al equipo completo lo que quiere legar y el evidente talento del conjunto para recibirla y para lograr plasmar de manera muy bien acabada la producción.

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Cine: “Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury”

por Cristián Garay Vera //

Sería fácil decir que esta es un biotopic de la vida de Freddy Mercury (interpretado por el actor Rami Malek), nacido como Farrokh Bulsara, nombre de una ciudad india, en Zanzívar, hoy Tanzania. Hijo de un funcionario colonial británico, cuya familia emigró a Reino Unido cuando debieron salir de la recién emancipada Tanzania donde había sido destinado. Fue registrado como británico de etnia parsi (persa) y su familia adhirió al zoroastrismo, la religión ancestral persa: su cuerpo fue cremado según la tradición de ese culto, aunque el no fuera practicante. Sus últimos años los pasó en Suiza, y donde la soprano española Monserrat Caballé entre otras celebridades sufragó su estatua que, mirando al Lago Leman, está en Montreaux.

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Cine:“El día de la marmota”, el tiempo, el necesario factor para conseguir entenderse y “comprender”

por Jordi Mat Amorós i Navarro //

“El tiempo es la corriente en la que estoy pescando”.
Henry D. Thoreau

Invierno

El filme, de Harold Ramis,  se desarrolla en una zona del norte de los Estados Unidos con inviernos duros. Phil es el hombre del tiempo de una cadena televisiva y con su equipo (Larry y Frida) están cubriendo la fiesta de la marmota, la leyenda dice que si la marmota se despierta y ve su sombra el invierno se alargará.

Todo es muy simbólico: la estación invernal está asociada al mínimo de luz, al letargo, al recogimiento, a la dureza… el invierno como fin de un ciclo a la espera de una nueva primavera (en el plano psicológico, la ardua preparación para una nueva manera de entender-ser); y la sombra es la imagen arquetípica de aquello que necesita ser visto-comprendido.

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Cine: La noche de los lápices

La Noche de los Lápices1​ es una película argentina dramáticahistórica dirigida por Héctor Olivera y protagonizada por Alejo García Pintos, Vita Escardó, Pablo Novak y Leonardo Sbaraglia. Escrita por Olivera y Daniel Kon y basada en el libro homónimo de María Seoane y Héctor Ruiz Nuñez, se estrenó el 4 de septiembre de 1986. La película recrea el suceso real conocido por el mismo nombre: en septiembre de 1976, durante los primeros meses de la última dictadura militar argentina, siete adolescentes de la ciudad de La Plata fueron secuestrados, torturados y asesinados por reclamar el boleto estudiantil, una reducción en el precio de los billetes de transporte para estudiantes.

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“Los pájaros”: Alfred Hitchcock y una lección de ecología

por  Horacio Ramírez //

Un poco de biología

Hay en el Universo dos grandes tendencias: una constructiva y otra degradativa, desintegradora. Así, por ejemplo, un ser vivo se simplifica hasta quedar reducido a una célula, y esa célula, unida a otra análoga, comienza a complejarse hasta dar un organismo completo, de quien se espera reproduzca el proceso. Éste es sólo un ejemplo de la coexistencia -muchas veces en simultáneo- que acompaña a toda la materia del Universo.

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Cine: Sacco y Vanzetti

En el año 1920, en Estados Unidos de América tras un ataque con bomba atribuido al movimiento anarquista y nunca reivindicado por anarquistas, las fuerzas de seguridad y las autoridades locales investigan a los inmigrantes, especialmente italianos. Nicola y Bartolomeo son detenidos bajo cargos de robo a mano armada y asesinato. El proceso no sólo demuestra su inocencia, sino la voluntad de las autoridades de EE.UU. para llevar a cabo un acto de represalia política, en forma de una condena a muerte, que castigue de una manera ejemplar a los dos anarquistas italianos. De nada sirvieron las numerosas movilizaciones y protestas de la comunidad local, no sólo italiana, sino también de miembros de numerosos comités de liberación.

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“Route Irish”, de Ken Loach: Los negocios de la guerra

Ken Loach

por Cristián Garay Vera //

El cine político tiene muchas facetas según la sociedad y el contexto nacional o internacional. La advertencia es necesaria porque, a primera vista, parece que estamos solo ante un filme más sobre Irak y el tema de los contratistas. Pero en realidad, estamos frente a una potente denuncia del actuar de las compañías privadas de seguridad, que participan con inmunidad jurídica de la violencia armada en ese país protegiendo bienes y civiles de alto rango, y también gestionando operaciones de seguridad.

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La mejor película de Sebastián Lelio: Desobediencia

por Esteban Andaur //

Una llamada telefónica desde Londres le informa a Ronit Krushka (Rachel Weisz) de la muerte de su padre, rabino de una comunidad judía ortodoxa; tiene que volver a su ciudad natal para su funeral. Ronit ha vivido dedicada a su profesión de fotógrafa en Nueva York, con pocas relaciones sentimentales y nula comunicación con su padre. En Londres, el único hombre de la comunidad que la recibe con cierto afecto es su mejor amigo de la infancia y aprendiz del padre de Ronit, Dovid Kuperman (Alessandro Nivola), quien está a punto de convertirse en el nuevo rabino; pero pronto ella descubre que está casado con Esti (Rachel McAdams), con quien Ronit tuvo un amorío en su adolescencia, el cual, tras ser descubierto por su padre, lo motivó a expulsarla de la comunidad y de Inglaterra hace ya décadas.

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Cine: Bergman, una breve introducción

por Pepe Gutiérrez-Álvarez //

 

Esta efemérides de Ingmar Bergman, es un motivo como otro cualquiera para que quienes pueden como la Filmoteca de Barcelona, produzcan su montaje con ciclos de películas, conferencias y algún buen libro sobre el autor de Fresas salvajes. Lo que cabe lamentar es que aunque sea a niveles mucho más modestos, este tipo de eventos no se reproduzca en barrios y ciudades de tal manera que el personal que creció con Bergman pueda revisar algunas de sus joyas y los más de ahora no disfruten de un reconocimiento que pueden ampliar con la lectura de La linterna mágica, sus magistrales memorias, parte de una obra por cierto, bastante autobiográfica. A la hora de debatir sobre su obra, a buen seguro que podría darse un extenso apartado sobre su irrupción en las carteleras españolas, especialmente con El séptimo sello y El manantial de la doncella. Habría mucho que hablar de las maniobras de un doblaje deshonesto, del impacto causado entre las nuevas generaciones ligadas al formato de “cine de arte y ensayo” o sea al cineclubismo que convertía cierto cine en materia de debate de oposición cultural. En este espacio, Bergman aparecía “como de otro planeta” en relación al cine.

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“Basada en hechos reales”: El regreso del mejor Roman Polanski

Basada en hechos reales (D’après une histoire vraie). Duración: 1 hora 50 minutos. Director: Roman Polanski. Guión: Roman Polanski y Olivier Assayas. Música: Alexandre Desplat. Reparto: Emmanuell Seigner, Eva Green, Vincent Perez, Damien Bonnard.

 

por Cristián Garay //

Estamos en presencia de un largometraje de gran inteligencia, que cita a las primeras obras del autor, y cuya atmósfera asfixiante recuerda la extraordinaria “Elle”, del holandés Paul Verhoeven, y rodada en francés. Construida muy artesanalmente (en su formato audiovisual, por lo menos), y donde los sentimientos del amor y del odio son simultáneos, ya que la búsqueda de la escritora perfecta tropieza con su vacío cotidiano, pues la admiración es fuente de malas intenciones, y los buenos deseos, también, pueden llevar a la tragedia.

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Cine: “El sacrificio de un ciervo sagrado”, ojo por ojo…

por Francisco Marín-Naritelli //

“Esposo: / Vuélvete, paloma, / Que el ciervo vulnerado / Por el otero asoma, / Al aire de tu vuelo, y fresco toma”.
San Juan de la Cruz

El tópico literario, de naturaleza alegórica y religiosa, dice lo siguiente: un ciervo, que representa a Cristo o el alma, acude a beber agua a una fuente, la cual es portadora de un sentido espiritual, de búsqueda y crecimiento interior. En el caso del largometraje (2017) del controvertido director griego Yorgos Lanthimos, el ciervo sagrado debe ser sacrificado a riesgo de perderlo todo.

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Algunas notas sobre el cine y mayo del 68

por Pepe Gutiérrez-Álvarez. //

 

Considerando el extenso material publicado sobre el mayo del 68, el cine suele ser poco o nada tratado, salvo rara excepciones. Quizás la excepción más significativa sea el grueso y apasionante volumen Con y contra el cine. Entorno a Mayo del 68, obra motivada por el 40 aniversario y coordinada por David Cortés y Amador Fernández-Savater, además profusamente ilustrada. Esta excepción aparece como una edición ilustradora de un proyecto de exposiciones referidas a películas realizadas durante los acontecimientos en Francia, un material del mayor interés, pero inasequible fuera del marco universitario e institucional del proyecto. El programa permitió revisar las películas que realizaron los obreros de los grupos Medvedkin así como cinetracts, panfletos cinematográficos en forma de cortos anónimos, entre otros “Oser lutter, oser vaincre”, sobre la huelga de la fábrica de Renault de Flins. Se trata de una tentativa única de prestigio contextualizada en las programaciones de algunas filmotecas. En todo caso es un territorio especializado, y por lo mismo ajeno al ambiente de discusión que seguramente ahora resultará mucho más próximo. No sé sí el 50 aniversario dará pie a ensayos parecidos, apartado por su propia naturaleza de la franja asequible en base a la cual trazar unas jornadas cineclubistas al uso, que es la dirección asumida desde estas escuetas notas. Las posibilidades de tales o cuales jornadas locales difícilmente podrán ser de investigación, como trabajo de investigación a la manera del citado volumen

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Trotsky: el alcohol, la iglesia y el cine

La jornada de ocho horas y la prohibición del alcohol constituyen dos elementos importantes que han dado una nueva orientación a la vida obrera. El monopolio estatal sobre la venta de bebidas alcohólicas fue abolido, debido a la guerra, antes de la revolución. La guerra exigía medios tan gigantescos que el zarismo consideraba los ingresos procedentes de las bebidas alcohólicas como una suma deleznable a la que se podía renunciar: mil millones más o menos no contaban gran cosa. La revolución asumió a su vez esa abolición del monopolio estatal; se trataba de una herencia, de un hecho consumado que adoptó por razones de principio que le pertenecían legítimamente. Sólo después de la conquista del poder por la clase obrera, convertida en artífice consciente de una nueva economía, la lucha del Estado contra el alcoholismo —tanto mediante la prohibición como por la propaganda— adquirió importancia histórica

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‘Tres anuncios en las afueras’ es una soberbia fábula criminal que rebosa misantropía y humor macabro

por John Tones  //

Es casi un milagro que, con el punto de partida de la historia, esquemática y rotunda, que sostiene ‘Tres anuncios en las afueras’ (‘Three Billboards Outside Ebbing, Missouri’), su director y guionista, el irlandés Martin McDonagh, consiga que el espectador empatice con los personajes, que sus dramas y actitudes importen. Pero lo consigue.

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Woody Allen: “Que destruyan mis películas, me dará igual”

Para Woody Allen (Nueva York, 1935), la vida es un parque de atracciones donde la mitad de los tiovivos no funciona y la otra mitad procura emociones mucho menos intensas de lo que uno esperaba. Su nueva película, Wonder Wheel, que se estrena hoy, reúne a cuatro personajes desesperados en el Coney Island de los cincuenta, la gran feria pegada a la playa de Brooklyn en la que transcurrió parte de su infancia. La entrevista tiene lugar en un hotel de lujo de París. Durante su trascurso estará terminantemente prohibido mencionar los escándalos sexuales que han sacudido Hollywood durante el otoño y que ha destapado su propio hijo, Ronan Farrow, con quien lleva años enemistado. “Ni Harvey Weinstein, ni Kevin Spacey, ni Oliver Stone”, insistirá su publicista antes de dejarnos entrar en su habitación, amenazando con interrumpirla en el momento en que dejemos de hablar de la película. Pero no dirá nada sobre las consecuencias que este nuevo clima puede tener en la consideración de su obra. ¿Dejará de ser Woody Allen, cargando con graves acusaciones que siempre ha desmentido, un intocable del séptimo arte?

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Cine animado: El Ilusionista (2010)

El ilusionista es una película animada de 2010 dirigida por Sylvain Chomet. La historia está basada en un guión no publicado del actor y director francés Jacques Tati, en colaboración con Henri Marquet. Existe controversia en relación a la motivación que tuvo Tati con el guión, que fue escrito como una carta personal para su hija mayor Helga Marie-Jeanne Schiel, de la cual estaba distanciado.

El personaje principal es una versión animada de Tati creada por Laurent Kircher. La trama gira en torno a un ilusionista que visita un pequeño pueblo donde conoce a una joven, la cual está convencida de que es un verdadero mago. La idea de Tati es que la historia estuviera ambientada en Checoslovaquia, pero Chomet lo cambió a la Escocia de los años 1950. Según el director, no es una historia de amor, es más la relación entre un padre y una hija.

Una joya en un mundo que se resiste a desaparecer.

 

EP

Racismo en la cultura mainstream

por Valentin Kahl//

El racismo es un hecho cultural y que se evidencia en grados diferentes en el cine o en las series que se emiten en diferentes plataformas de Internet. El cine y la televisión está dominada por hombres blancos, es el canon de lo correcto, de lo que se tiene que ser. Todo lo que salga de ahí, es una deformidad, una rareza. Así, la cultura mainstream1 ha reforzado un esquema de valores que se perpetúan en la sociedad, manteniendo, a través de su programación, prejuicios y privilegios que alimentan el racismo. La invisibilización de las personas no blancas y de las mujeres ha sido una constante en las series televisivas de mayor audiencia; en otras ocasiones, las personas no blancas han servido de aliciente para la broma fácil a través de estereotipos que se escudan en el humor.

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Conversaciones con la secretaria de Joseph Goebbels

por Bernd Reinhardt y Verena Nees//

Una vida alemana: La élite de poder Nazi en la mirada.

La película austríaca Una Vida Alemana (Ein deutsches Leben), dirigida por Florian Weigensamer, Olaf S. Müller, Christian Krönes y Roland Schrotthofer, que tuvo su premier en cines alemanes en abril es una cinta preocupante y chocante. Por esas razones merece una gran audiencia. El documental trata de Brunhilde Pomsel (1911 al 2017). Pomsel fue secretaria de 1942 a 1945 en la oficina del ministro nazi de propaganda, Joseph Goebbels.

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Melancolía de izquierda: la fuerza de una tradición oculta en el cine

por  Michael Löwy//

Este brillante ensayo* es un intento de recuperar una tradición ocultada y discreta: la de la “melancolía de izquierda”, un estado de ánimo que no forma parte del relato canónico de la izquierda, más propensa a celebrar los triunfos gloriosos que las derrotas trágicas. Sin embargo, el recuerdo de esas derrotas –junio de 1848, mayo de 1871, enero de 1919, septiembre de 1973– y la solidaridad con los vencidos irrigan la historia revolucionaria como un río subterráneo, invisible. En las antípodas de la resignación, esta melancolía de izquierda es un hilo rojo que cruza la cultura revolucionaria desde Auguste Blanqui hasta Walter Benjamin, pasando por Gustave Courbet y Rosa Luxemburgo, como también el cine crítico. Traverso revela con vigor y de modo contraintuitivo toda la carga subversiva y liberadora del duelo revolucionario.

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Cine griego: “Chevalier”

Inmersa en la nueva ola de cine griego, esta película parte con la premisa de un simple juego para construir una intrigante realidad propia sobre las relaciones de poder y la visón que los demás tienen de otro individuo. Divertida y ambigua, esta nueva cinta de la cineasta Tsangari se mueve entre la parábola y la metáfora para construir un laboratorio que disecciona el comportamiento humano.

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